MAX STEINER, PADRE DEL SINFONISMO EN EL CINE

Maximilian Raoul Walter Steiner, más conocido como Max Steiner nace en 1888 en Viena (Austria) siendo considerado como uno de los padres del sinfonismo clásico americano.

Tuvo como padrino a Richard Strauss, el magnífico compositor clásico.
Su padre era promotor teatral en Viena , lo que le llevo entre otras cosas a promocionar al legendario compositor Johannes Brahms llegando a a hacerse buenos amigos y es por lo que siendo niño recibió formación del genial compositor.

Continúa su formación musical  estudiando en la academia musical vienesa con grandes músicos como Gustav Mahler.

 Estudia música en la Academia Imperial de Música, completando el curso de ocho años en un solo año y se graduó a la edad de 13 años. Un año más tarde compuso y dirigió su primer musical. Se convierte en director-conductor profesional a los 16 años de edad.
Pronto se verá ligado a la opereta vienesa, creando grandes composiciones y siendo reconocido públicamente. Pero los avatares de la Primera Guerra Mundial le harán trasladarse a EE.UU., donde se pondrá a trabajar en Broadway, siendo igual de rápido su éxito. 
El productor Florent Ziegfeld Jr es el que lo convence para atravesar el charco desde Inglaterra para orquestar sus “Ziegfeld Follies” y su trabajo (no acreditado) de  orquestación de "Rio Rita" será el primer escalón de su carrera en Hollywood.
 Comienza en RKO para quienes compuso y arreglo 111 scores durante su mandato como director musical entre 1929 y 1935. De 1936 a 1965, trabajó bajo contrato con Warner Brothers, a excepción de breves estancias en préstamo a David O. Selznick.
Entre 1934 y 37, Steiner trabajó en 36 películas manteniendo un record al que es casi imposible que alguien se acerque jamás.
Su primera gran composición data de 1931, para la oscarizada película “Cimarrón “ por la que ni siquiera fue acreditado.
En la década de los 30 llega a componer magnificas obras como “La melodía de la vida” (1932), “Ave del paraíso” (1932), “King Kong” (1933)( su éxito con esta partitura, en la que tardo solo 2 semanas para  concluirla, junto con su amistad con O´Selznick le hará abandonar dicha productora porque él necesitaba trabajar con una empresa más potente que pudiera soportar el volumen y nivel de trabajo que era capaz de desarrollar), “Las cuatro hermanitas”(1933), “La patrulla perdida”(1934), “El delator” (1935) ( por la que obtendría el primero de sus tres oscars de la academia), “El jardín de Ala” (1936), “Ha nacido una estrella” (1937), “Tovarich” (1937) (de donde surgió la famosa Fanfarria de la Warner que sonaría en innumerables películas), “Jezabel” (1938) y una de la más conocidas de la historia del cine “Lo que el viento se llevó” (1939).
 Desde su llegada a la Warner  se convertirá en directivo y voz cantante del departamento musical hasta su retirada y su posterior muerte en 1971. 
En la década de los cuarenta escribe bandas sonoras inolvidables como las de “La carta” (1940), “Sargento York” (1941), “La extraña pasajera“ (1942) (por la que obtiene su segunda estatuilla), “Casablanca” (1943), “Pasaje a Marsella” (1944), “Desde que te fuiste” (1944) (su tercer oscar), “El sueño eterno” (1946), “El tesoro de Sierra Madre” (1948), “Cayo Largo” (1948) y en la década de los 50 títulos como “El halcón y la flecha” (1950), “Tambores lejanos” (1951), “El motín del Caine” (1954), “Centauros del desierto” (1956) (una de sus mejores obras), “FBI contra el Imperio del Crimen” (1959)o “ El árbol del ahorcado” (1959)…y en los 60 , “Parrish” (1961), “Una trompeta lejana” (1964), siendo su última composición en activo para el film “Those calloways” (1965).
Este ganador de 3 oscars de un total de 24 nominaciones,  es en palabras de la revista BSO:

“… el compositor más prolífico de la historia; esto se verá sobredimensionado si tenemos en cuenta la calidad de las composiciones hechas en tiempo récord debido a la demanda fílmica de la época. Hablar de Steiner es hablar de la transparencia, puesto que ilustra de manera magistral y de forma casi imperceptible la totalidad de la película. Hace un uso mayoritario del leitmotiv para subrayar la presencia de los personajes (o de cosas como es el caso de Tara). 
Era un maestro y un precursor de la marca de agua del cine norteamericano, la música enmarcadora, la música invisible pero capaz de potenciar de manera significativa el sentido de las imágenes. Por todo ello merece un lugar privilegiado entre los compositores musicales de cine. “

En mi caso personal, además de ser el primer compositor que descubrí, de Steiner, además de aprender a amar y comprender la música en el cine , aprendí a no dejar pasar una melodía sin plasmarla si puedo evitarlo…Me encanta este comentario suyo…

“Nunca me quedo sin canciones. La música está siempre en mi mente. A veces me despierto a las tres de la mañana y empiezo a sentirme agitado. Mi mujer me dice entonces: "Papá, ¿por qué no lo escribes?”… Así que me levanto, lo escribo en un papel, y me voy a dormir.”

Como prueba de mi homenaje al compositor de bandas sonoras memorables como las de “Lo que el viento se llevó” “King Kong” o “Casablanca” , os dejo con estos videos…

 

 

 

 

JERRY GOLDSMITH, INCOMBUSTIBLE EN ESPACIO Y TIEMPO

Jerry Goldsmith nació en 1929 en Pasadena, California.

Hijo de  Tessa (según algunas fuentes artista, según otras maestra de escuela) y Morris (Ingeniero) creció en Los Angeles.

En principio, Jerry Goldsmith, tenía la intención de convertirse en compositor clásico para sala de conciertos, pero pronto descubrió que la infrecuencia de la recreación de obras para salas de concierto nunca satisfaría su hambre por escribir música.

Comienza a estudiar piano a las 6 años y composición a los 14 además de teoría y contrapunto con Jacob Gimpel and Mario Castelnuovo-Tedesco.

También entró en contacto con el legendario compositor Miklos Rozsa y asistió a sus clases en la Universidad de Southern California.

En 1950 comienza a trabajar en el Departamento de Música de la CBS.

Allí le proporcionan sus primeros trabajos para composición para programas de radio en directo.

Permanece en la CBS hasta 1960 habiendo compuesto música para la exitosa serie de culto The Twilight Zone. Es cuando es contratado por  Revue Studios para poner música a su serie titulada Thriller lo cual lo lleva a posteriores trabajos como el tema principal de Dr Kildare o de series como The Man From U.N.C.L.E.,

Su primer trabajo para cine data de 1957 y es modesto western titulado Black Patch.

En los años 60 comienza a trabajar más en cine en películas como Freud de John Huston que le posibilita su primer nominación a los Oscars en 1962. En esta época entra también en contacto con el prestigioso e influyente compositor Alfred Newman que reconoce rápidamente el talento de Goldsmith, influye en la Universal para que lo contraten para la creación de la banda sonora de western Lonely Are The Brave en 1963.

A partir de este momento firma contrato como compositor para la  20th Century Fox, y se convierte en uno de los remodeladores de la composición para bandas sonoras.

En esta década firma trabajos magníficos como los de  “Los lirios del valle”(1963), “El premio” (1963), “7 días de Mayo”(1964), “Primera victoria” (1965) , “Un retazo de azul” (1965) (hermosísimo score que le dará su segunda nominación), “El Yangtse en llamas “(1966), “El Planeta de los Simios”(1968), probablemente una de las mejores y más efectivas bandas sonoras de la historia del cine.

En los 70, destacan obras como “Patton”(1970) (su quinta nominación fallida), “Papillon” (1973), “Chinatown” (1974), “El viento y el león” (1975 que alterna con su creación para la pantalla pequeña en series de éxito como “Ana y el Rey” (1972), “Los Walton” (1971-3), “Hawkins” (1973) o “Historia Policial” (1974).

Por fin en 1976 y después de 8 nominaciones a la estatuilla de la Academia   le conceden el oscar por su trabajo en “La Profecía”.

Continua con trabajos como “Mac Arthur” (1977), “Los niños del Brasil” (1978), “Alien” (1979) o Star Trek(1979).

En los 80 crea las bandas sonoras de la exitosa mini serie televisiva “Masada” (1981), “Poltergeist” (1982), “Bajo el fuego “(1983), “Gremlins” (1984), “Legend” (1985), aportando siempre ese espíritu mágico y creativo que imbuye en su obra.

En los 90 continua en plena actividad llegando a trabajar hasta en 7 proyectos en 1992.

De esta época sus mejores trabajos son para películas como “Desafío Total” (1990), “Instinto básico” (1992) (lo que demuestra que no siempre los mejores trabajos musicales acompañan los mejores trabajos cinematográficos), “El primer caballero” (1995), “LA Confidential” (1997), “Mulan” (1998)( que sería su última nominación a los oscars),o la “La Momia” (1999).

En el nuevo milenio compone temas para “La hora de la araña” y “La última fortaleza” en 2001, “Pánico Nuclear” y “Star Trek:Nemesis” en 2002, y continua en activo hasta que fallece a la edad de 75 años, en 2004.

Entre sus premios y nominaciones destacan el único oscar (escaso premio para un compositor tan creativo como innovador) de 18 nominaciones, 1 Saturn (Premios de la Academia de Cine Fantástico) de 16 nominaciones, 8 nominaciones (sin premio) de los Globos de Oro, 5 nominaciones a los Grammy (sin premio también), 4 nominaciones a los BAFTA británicos, siendo la BMI (la Broadcats Music Inc) la que valoro su creatividad llegando a concederle 12 premios de la BMI Film and TV Awards.

Un creador incombustible y generoso hasta el final del que os dejo algunas muestras de su trabajo.

ELENI KARAINDROU, DE LA TIERRA DONDE NACEN LAS LLAMAS DE LA ETERNIDAD

Eleni Karaindrou nace en 1939 en Teichio,Phocis, Grecia.

Se traslada con su familia a Atenas cuando apenas cuenta con 8 años de edad.

Allí estudia piano y teoría en el Hellenikon Odieon a la vez que desarrolla sus estudios de arqueología, historia y composición musical en Atenas.
Posteriormente, en 1967, durante la Dictadura  de la Junta Militar en el poder se  traslada a París para estudiar etnomusicología y orquestación lo que más tarde llevaría con gran acierto a su trabajo dentro y fuera de las pantallas. En su estancia en París también contacta y trabaja con músicos de Jazz y llega a ser reconocida como autores de canciones populares.
En 1974, con la caída de la dictadura, regresa a Atenas donde crea un laboratorio para el estudio de instrumentos tradicionales y colabora con el Departamento de Etnomusicología de la Radio.
En 1976 comienza a trabajar con EMC Records  que en su tiempo trabajaba en el rescate de la riqueza cultural y creativa tradicional griega.
En esta época también comienza a interesarse por el cine.
Su primer trabajo serio para la gran pantalla data de 1975. Se trataba de un film titulado “ To hroniko mias Kyriakis” de Takis Kanellopoulos.
Luego llegaron trabajos más importantes como “Periplanisi “ ( 1979) y , Roza (1982) ” de Hristoforos Hristofis y otros con Theodoros Angelopoulos  con quien trabajaría asiduamente en películas como “Viaje a Cythera, (1984),O melikossomos, (1986), “Paisaje en la niebla” (1988), To meteoro vima tou pelargou (1991),la genial “La mirada de Ulises”(1995), “La eternidad y un día(1998), o “Eleni” (2004)…
También se dedica al Teatro, series televisivas y a la composición en otros medios, no desdeñando la creación de música clásica.
Para mi es una creadora y estudiosa de la música poco reconocida para la belleza, sutileza y grandeza de su obra.
No ha sido reconocida con grandes premios y galardones, pero creo que no hacen falta para reconocer la hermosura de su obra como podéis comprobar en los siguientes trabajos.

FERNANDO VELÁZQUEZ, "LO INNEGABLE"

 

Fernando Velázquez nace en Getxo (Vizcaya) en 1976.

 Formado en los conservatorios de Getxo, Bilbao y Vitoria, estudiante de Composición en París y Madrid, y licenciado en Historia por Deusto, ha sido integrante de varias orquestas, como la Joven del País Vasco.

A sus 36 años, no es solo uno de los más solventes y creativos compositores del país, sino que diría, es con toda justicia, uno de los compositores más versátiles y geniales del panorama internacional.

Su experiencia como instrumentista (es un magnífico chelista ) en diversas orquestas y sus estudios en “Jesus Guridi” en Vitoria comienzan a darle ese poso creativo y de trabajo que comenzará a desarrollar más adelante en sus scores para cine.

En el mundo del cine comienza en 1999 con el corto de Koldo Serra y Gorka Vázquez titulado “Amor de madre” estrenándose en su primer largo con “Agujeros en el cielo” en 2004.

Posteriormente vuelve a trabajar con Koldo Serra en “Bosque de sombras”(2006) pero es en 2007 cuando comienza su imparable camino ascendente con la música para “El Orfanato”(2007) de Guillermo del Toro por la que es nominado para los premios Goya y con la que obtiene numerosos reconocimientos entre ellos el Premio del Círculo de Compositores de España  y Premio de la Música de España en 2008.
A partir de ese momento pone música a películas como “La Zona” (2007),”Sexykiller” (2008), “El mal ajeno” (2010), “Lope” (2010), “Los ojos de Julia”(2010), “Devil”(2010) , siendo sus últimas creaciones para “Babycall” (2011), “Lo imposible” (2012) (probablemente su mejor trabajo hasta el momento por el que ha sido reconocido con varios premios y nominaciones entre ellos la nominación a los Goya ) , “Mamá” (20123 y el drama apocalíptico “Los últimos días” (2013).
Fernando Velazquez , por su juventud, su capacidad de trabajo y de creatividad, está llamado a ser uno de los compositores más significativos de los próximos años dentro y fuera de nuestras fronteras.

Os dejo con algunas de su mejores piezas…

 

 

 

(Hay una Suite magnifica en directo con orquesta dirigida por Fernando es este enlace que no logro subir...http://www.youtube.com/watch?v=w69tk7lNBNc)

HOWARD SHORE, MAS ALLÁ DE LA LEYENDA TOLKENIANA

Howard  Leslie Shore nace en Toronto, Canada en 1946, en el seno de una familia de ascendencia judía entre cuyos miembros se encuentra su tío , el también compositor, Ryan Shore.

Después de graduarse en el Forest Hill.C.I. de Toronto se traslada a Boston para estudiar en el Berklee College of Music.

Entre 1969 y 1972 forma parte de la sección de viento  de la banda canadiense Lighthouse (sobre todo actúa como saxofonista aunque también toque a veces otros instrumentos como flauta y trompeta además de componer músicas y letras y actuar como vocalista alguna que otra vez).

Entre 1975 y 1980 es el director musical de archiconocido programa de televisión Saturday Night Live.

Se estrena en la composición de bandas sonoras para cine en 1978 con una discreta comedia titulada “I miss you, hugs and kisses”.

En 1979 comienza una sus colaboraciones mas fructíferas al convertirse en el compositor de la mayor parte de las películas del director David Cronenbeg…con el trabajará en películas como Cromosoma 3 (1979), Scanners (1981), Videodrome (1983), La mosca (1986), Inseparables (1988) etc…y el resto de la discografia de Cronenberg excepto la película “La Zona Muerta”.

Y su colaboración con Martin Scorcese se inicia en 1985 con” ¡Jo que, noche!” con quien trabaja posteriormente en varias películas.

También crea  scores recordados como el de Big (1988), El Silencio de los Corderos (1991), Philadelphia (1993) Ed Wood (1994), Seven (1995), Crash (1996), The Score (2001).

En ese mismo año 2001 es elegido por Peter Jackson para componer la que probablemente sea su mejor creación , la de los scores para El Señor de los Anillos por cuya primera parte, La Comunidad del Anillo, recibe su primera (y tardía a tenor de sus trabajos anteriores) nominación y su primer oscar…

Una injusta norma de la Academia impide que su segunda parte “Las Dos Torres” se nuevamente nominada al año siguiente…pero esta norma restrictiva se eliminará ese mismo año y en la gala de los oscars de 2003 recibe las nominaciones y oscars a la mejor banda sonora y mejor canción por su trabajo en la tercera entrega de la serie, El Retorno del Rey.

Posteriormente ha compuesto los scores de  películas como Gangs of New York (2002), El Aviador (2004) o Las invenciones de Hugo (2012) (la tres con Martin Scorcese), Una historia de violencia (2005) , Promesas del Este (2007) o Una terapia peligrosa (2011) con David Cronenberg…para retomar su colaboración con Peter Jackson en “The Hobbit”.

En definitiva, me parecen pocos, dada la calidad de su obra,  los tres oscars de 4 nominaciones de este autor, aunque en contrapartida ha sido mejor tratado por la ASCAP (La Asociación Americana de Compositores, Autores y Editores) que lo ha honrado con 19 de sus estatuillas desde 1988 hasta la fecha.

Además ha recibido otros reconocimientos como los premios Henry Mancini (2004), 2 Saturns (de 10 nominaciones), 6 nominaciones (Otra injusticia al no ser nunca premiado) de los BAFTAS británicos, 3 Globos de Oro (de 6 nominaciones), 4 Grammys (de 6 nominaciones) y otros muchos premios y nominaciones de carácter internacional.

Si solo fuera por la Saga de El Señor de los Anillos ya merecería estar aquí…pero Shore es mucho más que el creador de la música de la obra de Tolkien.

Aquí os dejo algunas de sus creaciones…

 

 

 

 

 

MIKLOS ROZSA, EL CABALLERO BRILLANTE DE LA ÉPICA

Miklós Rózsa nace en Budapest, Hungría, en 1907.

Es su madre, la pianista Regina Berkovits, la que lo hace interesarse y dirigir sus pasos hacia la música clásica y folk. Ella que había estudiado con discípulos de Franz List y su padre,Gyula, un industrial que amaba la música húngara son los que dirigen sus pasos.A los 5 años ya se ejercita con el violín de la mano de su tío-abuelo Lajos Berkovits, y posteriormente aprende los fundamentos de la viola y el piano.

A los 8 años da sus primeros conciertos en público y comienza con la composición.Comienza a recopilar desde muy joven canciones folklóricas húngaras , sobre todo de la zona Paloc (grupo racial de Noroeste de Hungría).

En 1925 se marcha a Alemania e ingresa en la Universidad de Leipzig, donde estudia composición con  Herman Grabner.Estudia también música coral con Karl Straube.Es en estos años surgen en el un gran respeto por la música tradicional alemana siempre atemperado por  el sentido Nacionalismo Húngaro de su estilo musical.Los dos primeros trabajos publicados son de esta época, Trio para Cuerda Op. 1, y el Quinteto para Piano  Op. 2.En 1929 recibe su diploma cum laude.

Bajo  la sugerencia del organista y compositor francés Marcel Dupré, se traslada a Paris en 1932, donde compone entre otras la Serenata Húngara para Pequeña Orquesta  Op. 10  que es muy bien recibida e interpretada por directores como George Solti, Eugene Ormandy o Leonard Bernstein.

En 1934, su amigo, el compositor Arthur Honegger, lo introduce en la música cinematográfica. Se traslada posteriormente a Londres para perfeccionar su arte y de allí, su amigo y compatriota Alexander Korda, lo lleva a Hollywood para participar en la música de la película The Thief of Bagdad (1940), aunque ya había participadao en algunas bandas sonoras, siendo la primera “Panico en la Banca” (1937).Desde este momento  permanecerá en California por el resto de su vida, aportando su música a más de 100 películas. , especializándose sobre todo en películas de corte histórico

Entres sus mejore creaciones destacan:

“Las Cuatro Plumas “ (1939), “El ladrón de Bagdad” (1940), “El libro de la selva” (1942), “Sangre en Filipinas” (1943), “Perdición” (1944), “Recuerda” (1945) (Por la que obtiene su Primer Oscar), “ Doble vida” (1947)(su segundo Oscar), “”Quo Vadis” (1951), “Ivanhoe” (1952), “Julio Cesar” (1953), “Los Caballeros del Rey Arturo” (1954), “El loco del pelo rojo” (1956), “Ben-Hur” (1959)(Su tercer oscar y su score mas celebrado), “El Cid” (1961), “Rey de Reyes” (1961) o “L Vida Privada de Sherlock Holmes “(1970) siendo su última creación para la película “Cliente muerto no paga” (1982).

Compuso además numerosas piezas de concierto. Una sinfonía, conciertos para piano, viola, violín, violoncello, obras de cámara y poemas sinfónicos. Su estilo, en lo que se refiere a esta parte de su labor compositiva se sitúa dentro de la tradición postromántica. Destaca su poder melódico, contrapuntístico y cromatico. Fue capaz igualmente de integrar en sus composiciones temas y melodías populares de su país de procedencia, lo que le emparenta a compositores como Bela Bartok y Zoltan Kodaly. Por desgracia, su labor concertística no es tan conocida como su obra cinematográfica. Fue maestro de John Williams, compositor célebre en el mundo del cine.Fallece  en  Los Ángeles, Estados Unidos en  1995 a los 88 años de edad.

Ganador de 3 Oscars de la Academia obteniendo otras nominaciones hasta un total de 16, fue además ganador de un Cesar Francés en 1977 por Providence, nominado a 2 Globos de Oro , un Grammy siempre será recordado por su meticuloso trabajo de estudio a la hora de adaptar música a la obra y época en la que se desarrolla la acción de la historia…

Miklos fue sin duda un grande entre grandes.